콘텐츠

• 단계
• 방법 1/4: 촬영 준비
• 방법 2/4: 액터 작업
• 방법 3/4: 촬영
• 방법 4/4: 종료
• 팁
• 경고

재미있고 진지하게 영화를 만들 수 있습니다. 어쨌든 영화를 만든다는 것은 대본 선정, 캐스팅, 촬영을 포함하는 긴 과정이지만 각 단계의 기본 사항을 알면 더 쉬울 것입니다. 이 기사에서는 촬영 과정을 지시하는 방법을 배웁니다.

단계

방법 1/4: 촬영 준비

1. 1 시나리오를 선택합니다. 좋은 대본은 평범한 감독도 빛낼 수 있으니 진지하게 대본을 쓰세요. 스크립트를 직접 작성하는 것을 좋아하고 어떻게 하는지 안다면 직접 스크립트를 작성해 보십시오. 스크립트를 선택하고 작성할 때 다음과 같은 몇 가지 핵심 사항에 주의하는 것이 중요합니다.
   • 구조는 좋은 스크립트의 기초입니다. 일반적으로 감독은 시작(1단계), 갈등(2단계), 종료(3단계)의 3단계 구조를 사용합니다. 주요 이벤트는 1부와 2부에서 진행됩니다.
   • 좋은 스크립트는 보여주지만 설명하지 않습니다.시청자는 제스처, 의복, 배우의 행동 및 대사를 전달하는 방식에서 무슨 일이 일어나고 있는지 이해해야 합니다. 영화 스크립트는 시각적으로 주도되는 경향이 있습니다.
   • 각 장면은 장면이 펼쳐지는 조건을 설명하는 문구로 시작해야 합니다. 야외 또는 실내, 낮이나 밤, 어떤 장소(예: "거실 - 밤").
   • 동작을 설명함으로써 실제로 화면에 표시될 내용을 설명합니다. "Ivan이 방에 들어갑니다. 그는 소녀가 그를 떠났기 때문에 화를 냈습니다."라고 쓰지 마십시오. 대신, 다음과 같이 작성하십시오. "Ivan이 방에 들어옵니다. 그는 등 뒤에서 문을 세게 쾅 닫고 소파를 발로 차고 있습니다."
2. 2 스토리보드를 만듭니다. 스토리보드는 각 장면에서 일어나는 일을 이해하는 데 매우 중요합니다. 어떤 각도에서 촬영해야 하고 프레임이 어떻게 보여야 하는지 이해해야 합니다. 항상 스토리보드를 고수할 필요는 없지만 촬영 과정을 탐색하는 데 도움이 됩니다.
   • 스토리보드에서 다음 사항을 고려해야 합니다. 프레임에 어떤 캐릭터가 있는지, 이전 프레임에서 이 프레임까지 경과한 시간, 카메라가 촬영하는 각도(즉, 영웅의 위치 프레임).
   • 스토리보드가 완벽하지 않을 수 있습니다. 시나리오를 요약하고 장면을 촬영하는 방법을 보여주어야 합니다.
   • 영화의 분위기를 결정하십시오. 1920년대 사립 탐정에 대한 가혹한 영화는 부모의 어려움에 대한 가벼운 코미디와 분위기가 다릅니다. 한 편의 영화를 완성하기 위해서는 예고 없이 코미디에서 비극으로 넘어갈 수 없다. 그렇다고 코미디에 비극적인 순간이 있을 수 없고 그 반대도 마찬가지지만, 특히 경험이 거의 없는 경우에는 한 방향을 고수하는 것이 좋습니다.
3. 3 자금 출처를 찾으십시오. 특히 많은 사람들이 영화를 보고 싶다면 돈 없이 영화를 만드는 것은 불가능합니다. 장비는 돈이 듭니다. 또한 소품, 위치, 사람 및 기술이 필요합니다. 이 모든 것은 자금이 필요합니다.
   • 독립 영화를 감독하려는 경우에도 자금 조달 및 로케이션에 대해 도움을 줄 제작자를 찾아야 합니다.
4. 4 각 역할에 대한 배우를 선택합니다. 돈이 부족하면 직접 하셔야 하겠지만 별도의 사람을 고용하여 하는 것이 좋습니다. 일반적으로 캐스팅 디렉터는 영화에 적합한 배우를 찾을 수 있는 위치를 알고 있습니다.
   • 이미 영화에 출연했으며 업계가 어떻게 돌아가는지 알고 있는 배우가 필요합니다. 연극 배우들은 일반적으로 연극과 영화에서 연기하는 것이 매우 다르기 때문에 적합하지 않습니다.
   • 수수료가 너무 높지 않은 좋은 배우 지망생을 찾을 수 있습니다. 재능과 카리스마를 찾는 것이 중요합니다. 이러한 이유로 친구보다 전문 배우와 함께 작업하는 것이 가장 좋습니다(재미로 영화를 만드는 경우가 아니면 원하는 대로 할 수 있음).
5. 5 위치, 소품 및 장식을 선택하십시오. 촬영에는 특별한 장소(침실, 거실, 야외 공간, 정원)가 필요합니다. 때로는 무료로 임대할 수 있지만 때로는 위치를 사용하려면 비용을 지불해야 합니다. 소품, 의상, 메이크업 및 장비(마이크, 카메라 등)도 필요합니다.
   • 프로듀서가 있다면 그가 할 것입니다. 제작자는 필요한 모든 것을 갖추고 특정 위치에서 촬영할 수 있는지 확인해야 합니다. 프로듀서가 없으면 직접 해야 합니다.
   • 예산이 매우 빠듯한 경우 친구 및 가족과 상의하십시오. 누군가 화장하는 법을 알고 화장을 도와주거나 이모가 옷장에 빈티지 옷을 많이 가지고 있을 수도 있습니다.
6. 6 미리 계획하십시오. 명확한 계획이 없고 영화가 어떻게 흘러갈지 모르겠다면 촬영이 어려울 것입니다. 모든 뉘앙스를 기록하고 프로세스를 원활하게 진행하는 데 필요한 모든 것을 찾아야 합니다.
   • 프레임 목록을 만드십시오. 영화의 모든 프레임을 나열하고 프레임의 구도, 렌즈의 초점 거리, 카메라 움직임 및 문제를 일으킬 수 있는 모든 것을 포함해야 합니다.프레임 목록은 스토리보드와 함께 사용할 수 있습니다.
   • 필요한 모든 것의 완전한 목록을 만드십시오. 위치, 소품, 다양한 특수 효과를 포함하여 필요한 모든 것을 기록해야 합니다. 프로듀서가 도와줄 것이기 때문에 더 쉬울 것입니다.
   • 기술 직원과 함께 테스트 촬영을 합니다. 모든 위치를 방문하고 테스트 샷을 찍어 각 위치에서 무엇을 기대할 수 있는지 알 수 있습니다. 발생할 수 있는 문제(조명, 소리 등의 기능)에 대해 토론합니다.
7. 7 촬영을 계획하세요. 조감독이 필요할 수 있습니다. 이 사람은 필요한 경우 배우에게 명령을 내리고 테스트 촬영 중 메모를하고 촬영 시간을 설정합니다.
   • 촬영 예약에는 촬영할 각 장면의 타이밍이 포함됩니다. 장면은 조명과 카메라 준비에 더 의존하기 때문에 거의 시간 순서대로 촬영되지 않습니다.

방법 2/4: 액터 작업

1. 1 촬영 전 리허설. 이 단계는 명백해 보이지만 많은 것이 여기에 달려 있습니다. 촬영이 시작될 때쯤이면 모든 배우들이 자신의 대사와 절차를 알아야 한다.
   • 먼저 배우와 함께 모든 대사를 읽으십시오. 테이블에 앉아 전체 대본을 큰 소리로 읽으십시오. 배우들이 자신의 대사와 동료의 대사를 알아차리고 익숙해지면 촬영 과정이 수월해질 것입니다.
   • 경험 많은 배우들은 촬영하기 전에 긴 시간 동안 대사를 리허설할 필요가 없습니다. 촬영이 시작되기 전에 복잡한 감정 장면을 너무 자주 리허설하는 것은 권장하지 않습니다. 이는 배우가 에너지를 잃지 않도록 하기 위해 필요하지만 경험이 풍부하고 재능 있는 배우에게만 적용됩니다. 아마추어 촬영이라면 촬영을 시작하기 전에 대본을 리허설하세요.
2. 2 배우들이 대사를 외우도록 하십시오. 배우는 대사를 잘 기억하지 못하면 연기를 잘 할 수 없다. 배우들은 준비 없이 세트장에 와서는 안 됩니다. 이런 이유로 리허설이 중요합니다.
3. 3 모든 장면의 서브텍스트를 설명합니다. 각 장면에서 무슨 일이 일어나고 있는지 설명하십시오. 이것은 배우에게 장면과 영화 전체에서 캐릭터의 의도가 무엇인지에 대한 아이디어를 제공합니다. 컨텍스트는 배우에게 주는 방향에 영향을 줍니다.
   • 적을수록 좋습니다. 배우는 최소한의 액션으로 영웅의 캐릭터를 보여주고 시청자의 관심을 끌어야 합니다.
   • 예를 들어, 위에서 언급한 영웅 Ivan은 같은 상황에서 다르게 행동할 수 있습니다. 아마도 그는 떠나는 여자 친구를 싫어하거나 여전히 그녀를 사랑합니다.
4. 4 침착하고 정신을 차리고 명확한 지시를 내리십시오. 불만을 품고 비명을 지르는 감독은 고정관념에 불과하다. 프로듀서가 없으면 전 과정을 책임지는 사람이 되니, 침착하면 직원들이 편안하게 일할 수 있다는 뜻이다.
   • 그렇기 때문에 스토리보드와 대본이 있어야 합니다. 녹음을 참조하고 각 장면에서보고 싶은 것을 배우에게 설명 할 수 있습니다.
   • 비록 명성이 항상 주로 배우와 감독에게 돌아가더라도 영화는 많은 사람들의 작품으로 구성되어 있음을 기억하십시오. 배우나 다른 스태프들과 소통할 때 자신을 촬영장에서 가장 중요한 사람처럼 여기지 않습니다.
5. 5 배우들에게 구체적인 지시를 내린다. 배우들에게 영화에 대한 자막과 비전을 명확히 했다면 문제는 없지만 "이 줄을 더 빨리 읽으십시오"라고 하더라도 항상 매우 명확한 방향을 제시하는 것이 중요합니다.
   • 자세한 메모를 하세요. 배우들이 각 장면에서 구체적으로 무엇을 해야 하는지 표시하십시오. 메모가 더 자세하고 정확할수록 배우와 다른 팀원들이 원하는 것을 하기가 더 쉬워집니다.
   • 배우들에게 불쾌한 말을 해야 한다면 사적으로 이야기하세요. 휴게실에서 할 수 있지만 아무도 듣지 않는 조건에서. 그래서 아무도 화를 내거나 부끄러워하지 않을 것입니다.
   • 사람들을 찬양합니다. 배우들은 자신의 작품이 높이 평가되고 그들이 기대하는 바를 하고 있다는 것을 아는 것이 중요합니다.예를 들어, "마지막 장면에서 연기하는 모습이 정말 좋았습니다. 이번 장면을 촬영할 때 반복하도록 합시다."와 같이 작은 것이라도 배우들을 칭찬하는 것을 잊지 마십시오.
   • 배우가 재능이 있다면 당신의 지시 없이 연기하도록 두는 것이 가장 좋은 경우가 많습니다. 장면이 상상한 대로 나오지 않을 수도 있지만 영화에 새로운 반전을 줄 수는 있습니다.

방법 3/4: 촬영

1. 1 사용할 수 있는 프레임 유형과 촬영할 수 있는 각도를 파악합니다. 감독으로서 각 장면을 가장 잘 촬영하는 방법과 이러한 장면이 영화에 제공해야 하는 내용을 이해하려면 카메라가 어떻게 움직일 수 있고 프레임에 무엇이 포함될 수 있는지 알아야 합니다. 다양한 촬영 각도와 프레임 유형은 재료의 인식에 영향을 미칩니다.
   • 피사체에서 카메라까지의 거리는 다를 수 있습니다. 매우 먼 거리(보통 약 500미터), 긴 거리(영화에서 관객과 화면 사이의 거리와 거의 같은 자연 거리, 캐릭터 및 배경이 프레임에 표시됨), 평균 거리(대화 장면 또는 모든 동작의 대규모 촬영에 사용됨, 일반적으로 2-3명의 영웅이 가슴까지 프레임에 있음), 짧은 거리(얼굴 또는 물체 프레임, 배경이 흐려짐, 영웅의 생각을 전달하는 데 사용됨), 매우 작은 거리(예: 눈이나 입과 같은 작은 세부 사항, 일부 극적인 효과를 얻는 데 사용됨).
   • 촬영 각도는 촬영 대상과 관련된 카메라의 위치를 ​​결정하고 프레임에 있는 피사체나 인물의 감정 정보를 시청자에게 전달할 수 있도록 합니다. 조감도(장면이 위에서 보여지고 뷰어는 많은 것을 인식할 수 없는 것처럼 보이게 만드는 비정상적인 각도에서 모든 것을 관찰할 수 있음), 높은 각도(카메라가 크레인 삼각대 위에 있음)에서 촬영할 수 있습니다. , 눈높이에서(이것은 중립 위치입니다. 카메라는 장면을 관찰할 수 있는 사람의 눈 높이에 위치합니다), 아래에서(이 위치는 무력감이나 혼란을 유발합니다. 피사체를 올려다 보면 두려움이나 방향 감각 상실), 비스듬한 각도로 (이 기술은 종종 공포 영화에서 사용되며 교란 평형, 전환, 불안정성을 유발합니다).
   • 카메라 움직임은 동작을 느리게 할 수 있지만 더 사실적일 수도 있습니다. 수평, 수직, 모션(예: 움직이는 자동차에 카메라 설치 가능), 핸드헬드(스테디캠을 사용하면 현실감과 현실감을 유지하면서 핸드헬드 촬영으로 인한 움직임을 줄일 수 있습니다. -시간 모드), 기중기(카메라가 공중에 매달려 있음), 확대/축소(이미지가 빠르게 또는 느리게 이동할 수 있음), 공중(예: 헬리콥터에서, 일반적으로 이러한 프레임은 영화의 시작).
2. 2 촬영 시작 전에 세트장으로 오세요. 촬영을 위해 세트를 준비할 기술자와 함께 오세요. 어시스턴트가 있으면 오지 않아도 되지만 어쨌든 하는 게 좋다. 다가오는 촬영에 대해 생각하고 모든 작업을 가장 잘 수행하는 방법과 변경할 가치가 있는지 여부를 결정할 수 있습니다.
3. 3 장면을 리허설합니다. 장면을 촬영하기 전에 기술자가 장비를 설정하는 동안 배우가 리허설을 하도록 합니다. 배우는 무엇을 할 것인지(어디에 서야 하는지, 어디를 보고 있는지, 어떻게 말해야 하는지) 이해해야 합니다.
   • 다양한 각도에서 장면이 어떻게 보이는지 보려면 다양한 방법으로 장면의 구도를 잡으십시오. 장면을 변경하거나 강조를 이동하여 완벽한 그림을 얻을 수 있습니다.
4. 4 장비를 설정합니다. 초점 거리가 얼마인지, 카메라와 배우가 서 있는 위치, 어떤 렌즈를 사용할지, 카메라가 어떻게 움직일지 알아야 합니다. 작업자와 함께 프레임을 다시 만들 수 있습니다.
   • 프로세스를 관리하는 방법과 운영자가 촬영 프로세스에 미치는 영향에 따라(촬영 방법은 본인만 결정) 필요한 지침을 제공합니다. 작업을 시작하기 전에 조명기구 및 작업자와 이러한 사항에 대해 논의하십시오.
5. 5 장면을 촬영합니다. 촬영은 보통 짧은 장면을 촬영하는 데 오래 걸리지 않습니다. 이전에 카메라맨과 논의한 기술(카메라 위치, 움직임 등)을 사용하여 장면을 촬영합니다. "제거됨"이라는 단어 다음에 받은 자료를 검토하십시오.
6. 6 자료를 검토합니다. 방금 모니터에서 촬영한 내용을 검토하고 아이디어에 맞는지 확인합니다. 장면이 완벽해질 때까지 다시 촬영합니다.
   • 이 과정은 편집실에서 완성된 자료를 보는 것과 다릅니다. 그곳에서 자료를 아주 세세한 부분까지 주의 깊게 검토하고 더 잘 할 수 있는 것이 무엇인지 볼 시간이 있을 것입니다.

방법 4/4: 종료

1. 1 영화를 편집합니다. 이 단계에서 영화가 일관되고 논리적으로 나오도록 모든 자료를 함께 모아야 합니다. 일반적으로 영화가 액션 없이 지루한 일시 중지로 끝나지 않도록 액션을 더 많이 남겨두는 것이 좋습니다. 즉, 액션이 있는 장면을 연결해야 합니다(예: Ivan이 거실 문을 엽니다). 한 각도와 다른 각도에서 Ivan의 움직임 프레임을 결합해야합니다.
   • 종종 카메라는 와이드 샷에서 클로즈업으로 이동합니다. 예를 들어, 두 남자가 먼저 이야기하는 것을 보여주고 나서 악당의 얼굴을 보여줍니다.
   • 이야기에 무언가를 소개해야 하는 경우 빈 프레임을 표시합니다. 예를 들어 차에서 한 쪽 다리가 땅에 떨어지는 모습을 자주 보여주지만 사람은 보이지 않는다. 다리는 빈 프레임으로 끝납니다.
   • 시청자는 평균 2프레임 동안 화면의 한쪽에서 다른 쪽으로 눈을 움직일 시간이 있음을 기억하십시오.
2. 2 음악을 추가합니다. 사운드트랙은 영화와 일치해야 합니다. 영화의 분위기와 영상에 어울리지 않는 음악만큼 나쁜 것은 없다. 작곡가에게 바라는 점을 설명할 때 원하는 스타일, 악기, 템포를 알려주세요. 작곡가는 올바른 음악을 찾기 위해 영화를 보는 방식을 이해해야 합니다.
   • 작곡가가 당신에게 줄 음악의 데모를 들어보십시오. 이렇게 하면 사운드트랙을 만드는 과정을 제어하고 필요한 경우 개입할 수 있습니다.
   • 직접 작곡을 하는 경우 문제가 될 수 있으므로 다른 사람의 곡을 훔치지 마십시오. 저렴한 비용으로 작곡할 작곡가를 찾는 것은 드문 일이 아닙니다. 비전문적인 작업일 가능성이 높지만(하지만 귀하의 영화도 큰 화면에 표시되지는 않을 것입니다), 꽤 좋은 것으로 판명될 수 있습니다.
   • 사운드트랙이 다릅니다. 그들은 의미, 리듬 및 분위기에서 일부 장면에 맞는 기성 음악으로 구성 될 수 있습니다. 그러나 음악은 영화의 특정 장면이나 이미지를 위해 특별히 작성할 수도 있습니다(예: Jaws의 상어 테마).
3. 3 믹스 앤 마스터. 사운드트랙이 영화에 완벽하게 맞는지 확인하는 것이 중요합니다. 이 단계에서 필요한 사운드를 추가하거나 일부 위치를 수정해야 합니다. 영화에 나오지 말아야 할 소리(예: 비행기 비행 소리)를 제거하거나 필요한 소리를 증폭하거나 추가해야 할 수 있습니다.
   • Diegetic 사운드는 화면에서 볼 수 있는 것을 만드는 사운드입니다. 소리는 촬영하는 동안 녹음될 수 있지만 완전한 침묵에 의지하지 않고 불필요한 소리(예: 비행 비행기에서)를 숨기기 위해 나중에 추가할 수 있습니다(예: 거리 또는 숲 소음, 방의 메아리).
   • 논디에제틱 사운드는 화면에서 일어나는 일(예: 보이스오버 또는 사운드트랙)과 관련이 없는 사운드입니다.
4. 4 당신의 영화를 보여주세요. 이제 동영상을 촬영하고 편집하고 사운드를 추가했으므로 동영상을 실행할 준비가 된 것입니다. 친구와 가족에게 보여 주어 작업 결과를 볼 수 있도록 하거나, 특히 영화가 당신에게 매우 중요한 경우에 보여줄 넓은 공간을 찾을 수 있습니다.
   • 많은 도시에서 참여할 수 있는 영화제를 개최합니다. 작품의 완성도가 높으면 상을 받을 수 있지만 어쨌든 영화제는 작품을 더 많은 관객들에게 보여줄 수 있는 기회다.
   • 프로듀서가 있다면 그것이 그의 직업이 될 것입니다.제작자가 이 영화를 보여줄 계획이 없었다면 당신과 작업하기로 거의 동의하지 않았을 것입니다.

팁

• 교정하는 배우들은 단호하지만 정중합니다. 배우들은 당신을 존경해야 합니다.
• 영화 제작자가 연기 수업에 참석하는 것이 도움이 될 수 있습니다. 이를 통해 배우의 작업과 기술 및 용어에 익숙해짐에 따라 배우가 필요로 하는 방향을 더 잘 이해할 수 있습니다.
• 진지하게 감독이 되고 싶다면 좋아하는 영화를 연구하여 어떻게 촬영되었는지, 배우들에게 어떤 지시를 했는지 이해하세요. 영화에 관한 대본과 책 읽기(예: 백만불짜리 이야기).
• 배우들이 제안을 하게 하되, 이 영화는 당신의 영화이기 때문에 필요하다면 당신의 길을 밀어주십시오.
• 스크립트가 마음에 들지 않으면 자유롭게 수정하십시오. 결국 이것은 당신의 영화입니다. 자신을 보여!

경고

• 배우들이 함께 작업하는 것이 불편하면 좋은 영화를 찍을 수도, 소중한 경험을 할 수도 없다.
• 블록버스터를 단숨에 찍을 수는 없을 것입니다. 당신이 진지하다면(하지만 당신이 진지하지 않다면 아무 문제가 없습니다), 당신은 열심히 일해야 할 것입니다. 영화 감독에게 가는 것을 고려하십시오.